У молодого российского искусства — петербургское будущее! По просьбе «Собака.ru» куратор Илья Крончев-Иванов рассказывает о десяти современных художницах и художниках нашего города, за чьими арт-работами точно стоит следить.
Алина Кугуш
Алина обучалась у Леонида Цхэ в Академии художеств, где стала постоянной участницей практик по перформативному рисованию и активному позированию арт-группы «Север-7». После Академии Кугуш окончила еще и местную Школу молодого художника фонда ProArte. Для выпускной работы она создала многосоставный мультимедийный проект «Fly Round» в сердце ее родного Петербурга — в Петропавловской крепости.
Позже Кугуш развивалась как художница-перформер. Она перевоплощалась то в скатерть-самобранку («Кураторский форум», 2019), то в жуков («House of Bugs», 2021), то в вирус («Лаборатория X», 2021), то в мотылька-мосура из японских хоррор-фильмов («Лес паутин», 2022), то в Рапунцель-редиску («Мамышев-Монро. Сказки о потерянном времени», 2021). В конце 2022 года Алина вновь обратилась к энтомологии — создала инсталляцию биеннального уровня для выставки «Как поймать мотылька?» в Музее Набокова. В ней она предложила зрителям пережить судьбу насекомого, заключенного в коллекцию.
В таких перформативных перевоплощениях заключается авторская методика: опыт диалога с нечеловеческими агентами — блохой, мотыльком, вирусом, растением или даже компьютерной ошибкой. Итогом подобных разговоров становятся мультимедийные инсталляционные коллажи или события, запускающие процессы растворения, вдохновения, ускользания, смещения, смешения, замешательства, пережевывания, сопереживания. Иными словами, те процессы, которые позволяют художнице вместе со зрителем (пере)осмыслить реальность с помощью иррациональных и символических форм. Зачастую это происходит благодаря работе с текстом (в самом широком постмодернистском смысле) и его поэтикой. Кугуш обращается к метафорам и словесным играм, используя перформативный жест как инструмент препарирования нарратива.
Практически весь 2023-й Алина была резиденткой мастерских музея Garage в Москве. А ее работы столичная же галерея Sistema, в которой в следующем году художница покажет масштабный персональный проект, представила на ярмарке современного искусства Cosmoscow. Хотя петербуржцы тоже могли увидеть в уходящем году ее масштабную проекцию на парадной лестнице руинизированного особняка Лопухиных-Нарышкина в рамках выставки «Я всегда знал, что мы встретимся» в «Третьем месте».
Галя Фадеева
Выпускница Школы современного искусства «Пайдейя» известна по своей сюрреалистичной графике, а также сотрудничеству с куратором Лизаветой Матвеевой. Например, Галя Фадеева показывала свои работы на масштабной выставке «О, зин, ты — мир» (2018), которая экспонировалась в петербургской Библиотеке книжной графики и московской «ГРАУНД Песчаная». Также художница принимала участие в проектах Матвеевой для галерей MYTH («Strange Stories», 2020) и Name («Превращения», 2022) и в независимой «Тайной выставке» (2021), которая проходила в бывшей «Лавке художника» на Невском проспекте.
В рисунках Фадеевой соединяются образы из алхимической иконографии, советской иллюстрации и личной мифологии. Художница создает вымышленную вселенную, в которой границы между реальностью и воображением, прошлым и будущим размыты. Ее графика эмансипируется от книжного разворота и движется в собственном направлении, хотя начинала Фадеева как автор иллюстраций и абстрактных комиксов. В своей художественной практике Галя исследует, как различные объекты и графические элементы, объединенные вместе, проявляют потенциал повествования. При этом нарратив в ее работах становится алогичным, сновидческим и абсурдистским. А визуальное отличается нелинейностью, ризоматичностью и надломанностью структур. От этого в историях художницы достаточно трудно разобраться, несмотря на то, что она оставляет на этом пути подсказки.
В 2022 году Галя Фадеева также стала участницей проекта «Как поймать мотылька?» в Музее Набокова, для которого создала серию графики и керамики, посвященную сестре литератора — Елене Сикорской. После окончания выставки Музей приобрел ее работы в свою коллекцию. В 2023-м Фадеева была резиденткой Max Art Foundation и мастерских музея Garage. А сейчас продолжает обучаться в институте «БАЗА» и готовит масштабный персональный проект в галерее Name, который покажет в следующем году.
Юля Левин
Художница Юля Левин в своих работах продолжает традицию реляционной эстетики или искусства взаимоотношений, появившейся в мировом искусстве в конце прошлого столетия. Специфика этого направления заключается в создании работ, отправной точкой которых является сфера человеческих взаимодействий. Художница изучает гостеприимство как форму современного искусства. Левин приглашает зрителей пообщаться о беседе, сопутствующей трапезе. Она использует еду как инструмент коммуникации и художественное средство, а потому изучает природу человеческих отношений, создавая праздничные, мультисенсорные и съедобные мероприятия.
Исследования Юли посвящены изучению горизонтальных связей через практики соучастия: коллективные приемы пищи, социально ориентированные события, образовательные воркшопы и лаборатории. Она создает инсталляции с использованием продуктов питания. Например, ее мультисенсорная «Ферментацию» была посвящена переосмыслению традиций русского севера (фестиваль NVERSIA в Мурманске). Художница приготовила блюда из горчицы, маринованную свеклу, морковь, бузину и каперсы из еловых побегов, размышляя об онтологическом подходе к исследованию пищи.
Также художница проводит занятия по теории и практике современного искусства в исправительных колониях разного режима и курирует выставки, проходящие на их территориях. Юля Левин готовит обеды для женщин, оказавшихся в непростых жизненных обстоятельствах, и является частью команды альтруисткой организации «Желтый забор», помогающей в ресоциализации бывших заключенных. В 2022 и 2023 годах стала лауреаткой грантовых программ Garage и Дома культуры ГЭС-2 соответственно. Последнее время работает над исследовательской лабораторией «Food Lab: Sharing Culture» для художников и научных работников, которые хотят заниматься изучением еды.
Кристина Башкова
Художница и кураторка родилась в городе Майкоп, а позже переехала в Петербург, чтобы изучать графический дизайн в СПбГУПТД. Кристина начала художественную деятельность в 2020 году с фотографии, поэтому отправной точкой большинства ее графических работ по-прежнему остаются снимки. Так, для проекта «Мы живем в очень хорошем месте, тебе стоит навестить нас» (2022) в петербургской галерее «Марина» Башкова использовала переработанные кадры из домашнего архива. Главной темой проекта стал образ дома — брошенного и беспризорного. Катастрофы, большие и маленькие, происходят и будут происходить, жилище покидают, они остаются без присмотра. И пожар внутри одной покинутой избы может погубить всю деревню. Пока время движется исключительно вперед, дома будут разрушаться, превращаясь в символы или памятники. А значит мы будем знать и любить не их, а только свои воспоминания.
Кристина Башкова входит в петербургское кураторское объединения «Ц» («Циклон»). Читает лекции по теории и философии искусства. В 2022-м участвовала в ярмарке современного молодого искусства blazar.
Катерина Веселовская
Выпускница Академии имени Штиглица стала на сегодняшний день одной из ведущих петербургских художниц, работающих с металлом. Так, в Алтайском природном заповеднике она создала стальную кольчугу «След» из 12 000 дисков, а в саду университета имени Герцена — инсталляцию, регенерирующую умершие ветви дерева.
Весной 2022-го в пространстве Cube.Moscow на выставке «Температура плавления» Катерина Веселовская показала как раз «След» и еще пару новых работ. А уже летом того же года представила все арт-объекты из этой серии на своей персональной выставке в петербургской «Люде». Их же впоследствии галерея привезла на ярмарку Cosmoscow.
Веселовская интересуется темными сторонами природы и культуры. Ее увлекают загадочные обстоятельства народного фольклора, темные тайны природного мира, мистика и оккультизм. В чугуне особенно отчетливо проявляется тяга художницы к хтоническому, которое напрямую связано с землей. Равно, как и давняя традиция отливки: чугун выливается также в землю. При этом он имеет тяжелую фактуру , позволяя запечатлеть флюидность, текучесть, неустойчивость и невнятность материи.
Совсем недавно, в ноябре 2023-го, в Петербурге открылась еще одна выставка Катерины — совместная с художником Вадимом Зайцевым. Проект под названием «Литник» разместили в крипте католического храма Посещения Пресвятой Девой Марией Елизаветы, построенном по проекту Николая Бенуа.
Эрик Железкер
Эрик Железкер преимущественно работает в городской среде. Больше всего уличных работ художника можно встретить на Васильевском острове. Например, огромный тег ZHELESKER находится на стене здания шиномонтажа у въезда на мост Бетанкура с Уральской улицы. Шины вообще важны в личной мифологии Железкера. Она строится вокруг повторяющихся образов — покрышек, камней, Бибендума, зиккуратов, черепа, костей и баллончиков. Но художник не ограничивается стрит-артом и создает и студийные живописные работы.
С весны 2022 года у Железкера продолжается «черный период». Традиционная для предыдущих практик художника яркая цветовая палитра была сведена к монохрому. От наивных экспрессионистских живописных работ он перешел к более брутальным графическим композициям, выполненным на брезенте, — в дюререровской манере и с босховскими мотивами. Его ежедневная рутина состоит из окрашиваний своего тела, одежды и окружающих вещей в черный цвет, посещения кладбищ и могил, сжигания предметов. Когда случайные люди спрашивают Железкера, почему он такой чумазый, — он отвечает, что у него сгорел дом. Это в каком-то смысле действительно так — 15 лет назад его отец случайно сжег дачу. Место, которое художник считал своим настоящим домом.
На сегодняшний день Эрик известен своими перформативными интервенциями в уличное и публичное пространство в образе «черного человека» (или чумазого). В своих, порой нарочито провокационных, «выходках» художник проверяет устойчивые сообщества и социальные группы на прочность, обнажая невидимые механизмы власти и социального контроля. Летом 2023 года Железкер совместно с Виктором Забугой запустили проект «На дне», в котором на протяжении недели они провели, как бездомные: не пользуясь деньгами и жильем и изучая низовую социальную реальность. Художники мылись в лужах и городских реках, спали в самодельных хижинах, брали интервью у других бездомных, просили милостыню и принимали в дар еду. С января 2024 года Эрик Железкер станет резидентом мастерских музея Garage в Москве.
Борис Чайка
В уходящем году персональный проект Бориса Чайки показали в «Павильоне» Новой Голландии. На выставке художник презентовал новую серию живописных работ, где в качестве холста использовал необработанные доски. На них он нанес абстрактный колористический градиент — характерный и узнаваемый прием для его творчества. В своей практике Чайка придерживается абстрактного языка, исключая фигуративность. Тем самым создается эмоциональное поле с широким спектром возможностей для интерпретации.
Борис Чайка рассказывает, что его абстрактные работы возникают совершенно случайным образом. Чистое проведение руководит им, когда на холстах проявляются внутренние процессы, не поддающиеся упорядочиванию. Сверхзадача Чайки в контексте этой художественной практики — возвести случайности в ранг искусства. Он отказывается от наименования и вербализации своих работ, чтобы не нагружать их сторонними смыслами. Борис пытается максимально оставить интерпретацию зрителям. Художник воспринимает процесс создания как игру: с формой, фактурой, сущностью объекта.
Также работает с керамикой, создавая утилитарные, но гротескно смешные, по-хорошему нелепые объекты. Отсутствие образности призывает к сопереживанию, а пастельные цвета позволяют встраивать их в любое пространство, раскрывая его и как будто играть с ним в прятки, меняя окружающую зрителя действительность.
Гарт Штапаков
Гарт Штапаков — самый юный художник из представленных в тексте. Он начал рисовать сразу, как научился сидеть. Его ранние (как бы это ни звучало в контексте возраста Гарта) работы представляют незаурядный пример абстрактного экспрессионизма, который носит и перформативный характер. Рисование для юного Гарта что-то вроде перформанса: он любит большие форматы и длинные кисточки, ему нравится буквально скакать вокруг листа, не считая линии и пятна достаточным результатом.
Первую работу Гарта приобрели в личную коллекцию, когда ему было 2,5 года на Седьмой ярмарке современного искусства в Петербурге. В 3,5 у него прошла первая персональная выставка — «Туча! Молния! Камбала!» в пространстве «0+» под кураторством Натальи Шапкиной и Анастасии Котылевой. Именно на ней были показаны характерные для раннего Гарта работы — контрастные черно-белые рисунки, в которых линии врезаются в гигантские пятна, а пучки черных бессмысленных лучей начинают вырисовываться во что-то знакомое. Вынесенные в названия три слова «туча», «молния», «камбала» — сюжеты, которые Штапаков, не щадя сил, повторял от одного рулона бумаги к другому.
Работы художника есть в соцсетях его мамы, известной петербургской художницы Александры Гарт. Там можно увидеть линогравюру «Птенчик орла-кровососа» или монотипию «Ястреб-теревятник» и других пернатых, нарисованных в экспрессионистской манере. Птицы с самого детства окружали художника, поэтому и стали одним из главных сюжетов его графических работ.
На сегодняшний день Гарт ушел от масштабных перформативных листов и создает скорее небольшие researched-based рисунки. В область исследований юного художника входят природа и история живого. В его работах все больше появляются животные. Бестиарий Гарта наполнен образами неконвенционального анималистичного мира, такими существами, которых большинство людей обделяют своим внимание, считая омерзительными, жуткими, противными или даже опасными — сколопендр, жуков, жаб и лягушек, тараканов и летучих мышей. Юного художника также вдохновляют чучела, кости и мертвые насекомые. Его актуальные работы можно также обнаружить в аккаунте независимого тату-салона «Безумный кабачок», в котором мама Александра предлагает сделать татуировку на основе эскизов Гарта.
Или и Павлов
Или и Павлов — это коллаборация междисциплинарных художников Кирилла Или и Анатолия Павлова из Петербурга, которые начали работать вместе с 2016 года. Оба обучались в школе интерпретации современного искусства «Пайдейя» (2019) и лаборатории медиапоэзии «101» (2021). Анатолий Павлов также окончил Школу современного искусства ProArte (2021-2022).
В прошлом году художники присоединились к самому долговечному российскому арт-объединению «Parazit». В нем они не только курируют выставки, но и участвуют в них — по традиции те проходят каждые две недели в петербургской галерее «Борей».
Инсталляция Или и Павлова «Саженцы» стала частью тотальной инсталляции группы «Цветы Джонджоли», которую презентовали на Cosmoscow также в 2022 году. А работу их проекта «Коррозия памяти», представленную в Негосударственном нерусском музее в 2023-м, приобрел в свое собрание известный петербургский коллекционер Сергей Лимонов.
В своих проектах художники балансируют между взрослой серьезностью и ребячливой метамодернистской иронией. Постоянно экспериментируя с творческими приемами и техниками, дуэт выработал собственный художественный метод, основанный на применении новых средств выразительности. Это так называемые «тушилки» — авторы поджигают полиграфию, останавливают горение, а из получившихся травмированных изображений выстраивают ряды, складывающиеся в высказывание. Наиболее ярко этот экспериментальный подход проявляется в их проекте «Лаборатория медиумов».
Сергей Карев
Сергей Карев родился в Пензе, но с 2015 года живет в Петербурге. Получил образование в Пензенском художественном училище имени Савицкого, Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова и Институте проблем современного искусства Иосифа Бакштейна. Был отобран в Открытые студии ЦСИ «Винзавода» в сезоне 2021— 2022 годов, где по итогу представил работы на выставке «Что-то останется в памяти» под кураторством Алексея Масляева. В 2023-м стал участником резиденции галереи FUTURO, в которой в этом же году показал масштабный персональный проект «Русский транс».
Благодаря академическому образованию Карев работает с современными и традиционными техниками, исследуя актуальность живописного медиума для осмысления современности и оценки искусства в целом как инструмента познания мира. Зачастую его холсты напоминают масштабные пейзажи, над которыми художник работает длительное время — месяца или даже года. В некоторых работах Сергей пересобирает и повторяет себя: делает фотографии ранних холстов, разбирает изображение на фрагменты, печатает их в черно-белом цвете и склеивает распечатанные листы — так он реконструирует изначальное изображение, сохраняя множественные дефекты, а затем наносит новый слой краски.
В искусстве Карева интересуют трансцендентные возможности и опыт выхода за всевозможные пределы. От этого художник обращается к таким темам и сюжетам, как колебание, пересечение, переход и пограничность. Свой последний на данный момент проект «Русский транс» Карев описал следующими словами: «нерусское ненародное», «моление», «бескрайнее поле», «край пропасти и глубокое дно», «пустота», алхимическая пыль и мусор», «меланхолия и эйфория», «Левитан, Кифер, Веласкес», «Хрущева — Пярт», «самоуничтожение». Также является сокуратором независимого выставочного пространства «Марина» на Караванной улице.
Текст: Илья Крончев-Иванов
Комментарии (0)